Die Entscheidung, den Boden so glänzend zu inszenieren, mag auf den ersten Blick funktional wirken, erzeugt aber gerade durch das Spiel zwischen Licht und Reflexion eine raffinierte Spannung.

Mir fällt auf, dass die Inszenierung der Kunstwerke, vor allem in Verbindung mit einer zurückhaltenden und dennoch sichtbar interessierten Protagonistin, fast schon intellektuelle Contenance transportiert – aus meiner Sicht ein klarer Fingerzeig auf ein Publikum, das mehr sucht als den schnellen Reiz; nämlich echte kulturelle Tiefe und einen selbstbestimmten Zugang zur Stadt.

Das Wechselspiel zwischen den EDO-Szenen und den Darstellungen traditioneller Figuren macht für mich deutlich, dass hier auf durchaus versierte Art historische Narrative inszeniert werden, ohne dabei in pittoreske Klischees abzugleiten. Ich denke, der Spot umgeht die allzu offensichtliche Folklore geschickt und greift mit einer gewissen Lust an ironischer Zuspitzung – man erinnere sich an die charakterstarke rote Maske mit Monster-Zähnen – typische Stilmittel der japanischen Kunst und Populärkultur auf.

Wenn die Kamera schließlich den Tempel bei Nacht einfängt, während eine energiegeladene Figur mit dramatischer Maske tanzt und „TOKYO" eingeblendet wird, entsteht eine ambivalente Spannung, die nach meiner Meinung sowohl die Würde der Tradition als auch das unruhige Pulsieren der Gegenwart transportiert.

Das darauf folgende Marktgetümmel in Rot- und Gelbtönen wirkt zunächst fast wie eine energetisierende Dazwischensequenz. Meiner Ansicht nach nutzt der Spot hier Farbe und Körperdichte, um das Publikum mitten ins Geschehen zu katapultieren – ein hervorragendes Beispiel für eine Zielgruppenansprache, die auf Immersion statt bloßer Repräsentation setzt.

Die visuellen Highlights sind allerdings für mich klar im letzten Drittel gesetzt: Das nächtliche Feuerwerk über Tokyo, die funkelnden Lichter, die Reflexionen im Wasser – das nimmt mich visuell tatsächlich mit. Ich meine, der Kontrast zwischen der vibrierenden Metropole und dem „NOTHING LIKE TOKYO“-Schriftzug fährt durchaus eine selbstbewusste Kante, die ich ausgesprochen gelungen finde. Dazu gesellen sich typisch japanische Design-Elemente wie Schriftzeichen im senkrechten gelben Rahmen. Warum nicht ein bisschen von der Ikonografie spielen lassen, statt sich aus Angst vor Überzeichnung zu verkrampfen?

In der Schlussszene, mit einer Frau in traditioneller Kleidung, dem Verweis auf das "Tokyo Metropolitan Government" sowie "Tokyo, Tokyo" in unterschiedlichen Typographien und dem visuell eleganten Übergang zu „Old meets New”, komme ich nicht umhin, eine fast augenzwinkernde Selbstreferenz des Spots zu ahnen. Ich habe das Gefühl, hier will man weniger überzeugen als vielmehr verführen – nicht mit der Brechstange, sondern mit feiner, ironiefähiger Bildsprache.

Wenn überhaupt, dann würde ich mir noch ein Fünkchen mehr subversiven Witz in der Überlagerung von Alt und Neu wünschen, vielleicht sogar eine Auflösung, die explizit mit Erwartungshaltungen spielt. Aber vielleicht ist es gerade das, was mir am Spot gefällt: der verweigerte Showdown, das Spiel mit der Intelligenz der Betrachter.

Abschließend kann ich nur sagen – und jetzt bin ich mal ganz direkt – solche Spots tragen dazu bei, dass Werbekunst für mich aufregend bleibt. Vielleicht regt euch das ebenso zum Diskutieren an: Wie seht ihr die Balance zwischen kultureller Tiefe und Massentauglichkeit in Spots wie diesem? Entdeckt ihr in der visuellen Sprache ebenfalls eine feine Ironie, oder geht euch das Konzept vielleicht an manchen Stellen zu weit? Ich freue mich auf kritische und begeisterte Repliken!

Autor: Ralf Zmölnig